Detalle de polymorphia

5 piezas para iniciarse en la música contemporánea

Que levante la mano quien después de escuchar las palabras “concierto de música contemporánea” no haya pensado “Uff….tostón asegurado”. Incluso yo mismo, siendo compositor, a veces tengo cierto miedo a asistir a conciertos de nueva música. No obstante no todo lo veo tan negro: hay tal cantidad de obras y de corrientes estilísticas que estoy seguro que algunas de ellas te sorprenderán incluso si no tienes el hábito de escuchar este tipo de música. A continuación te muestro 5 propuestas de menor a mayor “dureza” que pueden servir para que se encienda tu curiosidad por la música contemporánea.

 

Yellow-red-blue de Kandinsky

Yellow-red-blue. Schoenberg estuvo muy unido a Kandinsky en el proceso de creación del dodecafonismo.

 

Nota: Por contemporáneo me referiré a la música creada a partir de la invención del dodecafonismo en 1921 por Arnold Schoenberg.

 

 

1. Andrzej Panufnik: Lullaby (1947)

 

Andrzej PanufnikPanufnik (1914-1991) es uno de los grandes desconocidos dentro de la música contemporánea. “Grande” no porque sea muy desconocido, sino por su calidad. Este compositor polaco tiene a sus espaldas una producción de más de 90 obras, muchas de ellas pertenecientes al socialismo realista. Esta obra, Lullaby es una nana compuesta para orquesta de cuerda y 2 arpas. Fue la primera que compuso usando la técnica de la microtonalidad: si se compara con una obra tonal puede parecer que los instrumentos estén fuera de tono, pero al usarse la misma técnica durante toda la obra se percibe como coherente dentro de su contexto.

La inspiración se toma de un paseo en Londres a la orilla del río Támesis. Como el mismo compositor describe:

Disfrutando de un breve respiro en Londres, reanudé mi costumbre de pasear por las calles desiertas después de que la ciudad se hubiera ido a dormir. Una noche, en el puente de Waterloo, apoyé mis brazos en la barandilla y contemplé durante mucho rato el agua del Támesis. Cuando levanté la cabeza vi nubes oscuras que se movían lentamente a la deriva a través de la luna llena. El fluir del río y el cielo nocturno de la ciudad brumosa impulsaron la idea de la música en tres planos: un ritmo continuo de arpa que se correspondía con el suave flujo ininterrumpido del río; un grupo de instrumentos de cuerda en solitario, como si fueran las nubes a la deriva; y arriba, como la luna, que también miraba hacia Polonia, el canto de un campesino polaco. La música transmitiría la escena que tenía delante de mis ojos: la exposición intermitente de la luna y su reflejo en las nubes, al igual que la línea melódica que se sumerge y emerge de nuevo de vez en cuando”.Traducción de parte del texto contenido en http://bit.ly/1FAm2xc

Después de leer esta descripción se puede ver mucho más claramente la intención del compositor, que se mueve en una ambigüedad tonal que da a la pieza esta fuerte personalidad.

 

2. Magnus Lindberg: Concierto para clarinete (2002)

 

Con nombre y apellido sueco pero nacido en Finlandia, este compositor nacido en 1958 es uno de los referentes en la música contemporánea escandinava. Los compositores del norte de europa se han caracterizado siempre por ir un poco a parte de todas las corrientes centroeuropeas, introduciéndolas en su cultura desde un prisma diferente.

 

lindberg

 

 

Este concierto para clarinete se sitúa en una etapa estilística de Lindberg en el que va suavizando mucho sus posiciones vanguardistas que defendía en su juventud. Se considera una de sus grandes obras y un punto de apoyo en la carrera del compositor. La melodía que suena al principio está sacada del folclore finlandés: el componente melódico se hace ya del todo evidente, algo que no era una preocupación primaria años atrás. La sonoridad se asemeja a Sibelius o Stravinsky, apoyada con una armonía no tonal pero armónica y orgánica, basada en el espectralismo.

Unido al espectralismo, como curiosidad, puedes ver un “truco de compositor” de cómo se modifica la naturaleza del material que usa: en el minuto 17:50 se comienza a escuchar una nota sostenida del clarinete que se transforma en una escala ascendente y descendente, como si de una ola se tratara, mientras que la armonía está en forma de “nube de parciales armónicos”. Esa escala se va ampliando hacia los extremos, hasta que la cuarta vez que se repite lo hace en forma de barrido de armónicos, imitando el propio gesto de las escalas y la armonía.

 

3. Toru Takemitsu: Requiem (1957)

 

TakemitsuY aquí tenemos al único compositor no europeo de esta selección de obras: un japonés nacido en 1930 y fallecido en 1996 que combinó la estética europea de la vanguardia perteneciente a la segunda mitad del siglo XX y la tradición musical japonesa. Fue un compositor muy prolífico con una producción de más de 100 obras entre música de cámara, orquestal y bandas sonoras de cine.

Este requiem fue una de las obras que le lanzaron al estrellato. Fue escuchado accidentalmente por Stravinsky, ya que le pusieron una cinta con música de compositores japoneses pero se equivocaron de cara. El compositor ruso no permitió que se cambiara la cinta y terminó reconociendo en público el gran talento de Takemitsu.

El compositor sirvió a las fuerzas militares de EE.UU. durante la II Guerra Mundial, donde cayó enfermo de tuberculosis. Teniendo que estar una larga temporada en el hospital, y según sus propias palabras, la radio fue su primer profesor de música. No obstante, la música tradicional japonesa le traía muy malos recuerdos: “Rechazo todo lo que tenga que ver con Japón por mi experiencia en la guerra”.

Su Requiem es un reflejo de la influencia que tuvo la música europea en él, especialmente de la mano de Debussy y Messiaen. Esta influencia se puede ver claramente en la estructura de acordes por bloques, la densidad orquestal y las armonías moviéndose entre una tonalidad muy extendida con gesto postromántico y la modalidad. Realiza un balance increíblemente efectivo de la sección grave de la orquesta de cuerda, controlando en todo momento las respiraciones en el discurso musical.

En general, la música de Takemitsu está basada en imágenes oníricas, sueños, pinturas o en jardines japoneses.

 

 4. Giacinto Scelsi: Quattro pezzi (1959)

 

ScelsiScelsi (1905-1988) fue un compositor y poeta italiano caracterizado por el uso económico del material sonoro. Alrededor de 1945 se hundió en problemas psicológicos debido a la separación con su mujer y parte de su terapia consistió en la repetición insistente de una sola nota en el piano, lo que le llevó más adelante a conformar su estilo que nos lleva a esta obra (además del descubrimiento de la espiritualidad en sus viajes a Oriente).

Quattro pezzi es una de sus obras más importantes de ese periodo, y se basa fundamentalmente en una sola nota orquestada y tratada de multitud de maneras distintas: mediante el ritmo, microtonalidad, dinámicas, octavación y complejidad orquestal.

Se conforma de 4 movimientos construidos con 4 notas diferentes. Es la primera obra en la que Scelsi estira hasta este punto el material usado sobre la nota Fa que mantiene de manera melódica de principio a fin. La estructura se basa en puntos de apoyo formados mediante el contraste de unísono y octavación, dinámicas y densidad instrumental.

Un punto a favor de haber elegido esta obra es su corta duración, entendible por su escasez de material. Y es que agradece cuando un compositor sabe dónde está el límite y es suficiente…

 

5. Krysztof Penderecki: Polymorphia (1961)

 

PendereckiSe podría escribir muchísimo sobre esta obra y este compositor polaco, nacido en 1933. Resumiendo, diré que si eres fan de las películas de terror estoy segurísimo de que te sonará: Polymorphia ha sido usada como banda sonora de El Resplandor o El Exorcista. Y es que es una música que aunque no tiene ni melodía ni ritmo aparente, tiene un gran poder comunicativo.

Es un gran ejemplo para empezar a escuchar la música desde una perspectiva diferente, sin esperar los componentes clásicos. De hecho se la he mostrado a varios conocidos que nunca han escuchado música contemporánea y se han quedado sorprendidos.

Esta obra pertenece a un periodo de Penderecki en el que inventó un nuevo modelo de escritura para este tipo de música basado en masas de sonido, que explotó principalmente en la década de los 60. Posteriormente su estilo cambió hacia una especie de postromanticismo un tanto peculiar.

 

Partitura de Polymorphia

Detalle de la partitura de Polymorphia

 

 

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¿Qué te han parecido las obras y qué opinión te merecen? ¿Cuál es la que más te ha gustado? Estaré encantado de leer tus comentarios 😉 Y si quieres estar al tanto de las próximas entradas no olvides que puedes suscribirte a este Blog desde la parte derecha de esta página. ¡Nos vemos!

Ismael Palacio

Compositor nacido en Zaragoza y residente en Lund, donde estudio un máster en composición con Luca Francesconi. Programador web y cofundador de Emusicarte.

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11 comments

    • Hola Óscar, gran obra la de Ligeti, relacionada en parte con la producción de Penderecki en esos años y también usada en otra película, Odisea en el espacio. Muy interesante por otra parte “Entrada”, asequible también para el gran público, con un gran componente performativo. Curiosa obra.. te diviertes viéndola 😀 Gracias por tu comentario y enhorabuena también por tu blog, no lo conocía! Saludos.

  1. Pablo del Pozo

    A mí también me ha gustado mucho tu selección. Ante todo, he de agradecerte lo de Panufnik. Había oído hablar algo de él, y hace unos días lo escuché en Radio 2 por casualidad y me gustó. Pero tras conocer el Lullaby me he quedado maravillado, prendado, absorto. Prometo indagar en su obra, y para empezar, te ruego alguna nueva recomendación…

    Por otro lado, ya que intervengo, quería poner mi granito de arena. El primer autor que se me viene a la cabeza a la hora de pensar en música contemporánea “digerible” es Philip Glass. Y en concreto, recomendaría por completo el disco que le dedicó Elías Arizcuren y su octeto.

    Y este vídeo es embobante, jaja https://www.youtube.com/watch?v=V87VXA6gPuE

    • Panufnik es un compositor que cambió mucho de estilo a lo largo de su vida, y quizás es una de las razones por las que no ha sobresalido entre los grandes; no ha tenido una producción homogénea. Pero bajo mi punto de vista es magnífico. Otra obra suya que te recomiendo es su Suite polaca http://ninateka.pl/kolekcje/en/panufnik/audio/suita-staropolska-na-orkiestre-smyczkowa que compuso cuando todavía residía en Polonia, encuadrada en el socialismo realista de su primera etapa, y su Sinfonía Sacra (nº3), compuesta en su segunda etapa creativa cuando emigró a Inglaterra. Gracias por tu recomendación. Philip Glass es un compositor muy asequible para el público mayoritario, aunque su figura como compositor no trasciende dentro de la música contemporánea académica (de hecho él mismo dijo que la música europea le parecía un páramo yermo donde se componía música estúpida). Un saludo! Ismael.

      • Elías Arizcuren

        Hombre, que el amigo P. Glass , con el que me unió cierta complicidad en los años que trabajamos juntos, diga lo que dice me parece torpe y una falta de respeto. Todo depende de lo que tengas en mente cuando hablas de arte.

  2. Elías Arizcuren

    buen trabajo amigos,bonita iniciativa. En cuanto a uno de mis discos sobre Philip Glass: una cosa es música actual y otra música contemporánea que abre vías …y nutre. Ha tenido mucho éxito pero no lo considero “nutritivo” como Ligeti, De Pablo, Harvey, Dutilleux etc, etc.

    • Muchas gracias por tus palabras, Elías. Como tú bien dices, hay diferentes tipos de música según el objetivo que se proponga y está en el espectador el percibir como más “nutritivo” a los compositores que mencionas. En ese aspecto coincido también contigo, sin caer en quitarle valor a lo otro.

  3. Francisco J. Marco

    La búsqueda de las fronteras, aunque pueda conducir a algún desvarío, es necesaria para continuar perfilando, o mejor ampliando, el concepto de arte. Una definición formal de éste, debe apelar a las sensaciones y éstas son individuales, de ahí la imposibilidad de definir “por extensión” el arte. Creo que sólo puede deinirse de forma abstracta, conceptual. Parece un contrasentido ……. pero ¿se puede explicar siempre el motivo de una sensación?

    • Hola Francisco,

      Yo creo que la percepción y la emoción vienen antes que al racionalización de esta. Por eso muchas veces nos gusta algo o no nos gusta, pero no acertamos a explicarlo o que nos entiendan del todo.

      Pienso que muchas cosas quedan mejor sin explicación. ¿Por qué te enamoras? ¿Por qué te gusta no se qué comida? Pienso que con la música un poco igual 🙂

      Un abrazo!

  4. Bernat

    Hola Ismael, me pareció muy interesante tu propuesta.
    Tengo una pregunta, dónde y cuando escuchar música contemporànea en España? Hay alguna forma de hacer un seguimiento de lo que se hace o hará, específicamente?

    Gracias

    • Hola Bernat, la música contemporánea no tiene tanta difusión como la clásica por lo que es más dificil seguirla si no se está en el círculo. No obstante puedes seguir en facebook a grupos que se dedican a la contemporánea como Plural Ensemble, Sigma Quartet, Quatuor Tana, … Es recomendable que sigas a esta página de Facebook donde se suelen colgar prácticamente todos los eventos relacionados con la contemporánea: https://www.facebook.com/ECH.Ruth/?fref=ts

      Un saludo y gracias por tu comentario. Ismael.

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