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La música clásica se muere: las 3 verdaderas causas

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En resumen, las tres causas para mí son:

  • 1. Ambiente enfermizo, competitivo y poco empático en muchas clases de instrumento y en los conservatorios.
  • 2. Excesiva seriedad, rigidez y atmósfera aséptica en los conciertos.
  • 3. Música “nueva” desconectada durante demasiado tiempo del público y de las emociones.

Un poco más abajo las analizo y desarrollo, aportando soluciones. Mientras tanto, ¿tú qué piensas?¿Te parece un título sensacionalista? Puede ser, pero no es menos cierto que fuera de algunos grandes solistas, algunas grandes orquestas, algunos importantes festivales con prestigio y la ópera, que es un mundo aparte, hay una crisis de público evidente en muchos otros conciertos.

No es un fenómeno español como muchos puedan creer y lo justifican diciendo que en España “no hay cultura”. Pasa aquí, en Centroeuropa, en Australia y en EEUU.

Hace poco llegué a un texto que me pareció muy esclarecedor. Estoy de acuerdo con la mayoría de lo que se expone ahí. Sobre todo con una conclusión:

“Pues si tiene que morir, que muera…” 

“…algo nacerá de sus cenizas”

 

TEXTO DE KIM ALLEN KLUGE: How Can WE Save Classical Music? (pulsa para desplegar)

How Can WE Save Classical Music?

Dwindling Classical Recordings…

Demise of Major Classical Record Labels…

The Lights Go Out at New York City Opera…

Philadelphia Orchestra Declares Bankruptcy… And on and on

 

Sadly, we don’t need to read the articles and stats.  As performing arts professionals we live it every day— in the trenches, on the front lines— we often feel like we are fighting a losing battle.And on and on

 

Sadly, we don’t need to read the articles and stats.  As performing arts professionals we live it every day— in the trenches, on the front lines— we often feel like we are fighting a losing battle.

 

In fact, I myself was at the forefront of the “doomsday” mindset.  But then, I had an unforgettable conversation after a rehearsal with one of the most iconic musicians of our time— it was a truly life-changing moment.  I expressed my anger over the current state of “classical” music, and asked him what we leaders could do.  To my surprise, my angst was met with amazing calm as he gave his response,

 

“Let it die.  Something better will be born from its ashes”

 

I was shocked, as I thought he was giving up on “classical” music— his own life-long passion and livelihood.  What I now believe, is that he wasn’t copping out, but rather re-envisioning what “classical” music could become, and what impact it could have on the world. Years later, I can see that we just need to open our eyes, minds, ears… and hearts.

 

Envisioning A Future for “Classical” Music…

 

I am actually extremely optimistic about the future of “classical” music.  (Especially so in America, which I will explore in a subsequent entry.)  How did I go from pessimism to optimism?  Am I being Pollyanna-ish?  No.  I’ve worked too long and too hard on the front lines building my symphony orchestra in Washington DC.  I have dealt for decades, on a daily basis, with the harsh realities of developing “classical” music audiences.

 

I attribute this change in perspective to my growing work as a composer & conductor in many different genres and styles.  I have had the great privilege of composing for and working with many creative giants ranging from jazz legend Branford Marsalis, to classical star Midori, to pop icons, to Academy Award-winning producers and directors.  

 

My composing and conducting has allowed me to bridge wondrously diverse musical worlds: from “classical” to pop,  from East Coast “classical” establishment to West Coast Hollywood,  from non-profits to the “live-or-die by profit” entertainment industry. This has allowed me to see “classical” music from multiple perspectives and vantage points— and, surprisingly, from worlds where symphonic music is actually thriving.

 

My view of “classical” music has been fundamentally changed by these rich and varied experiences.  I am now extremely optimistic about the future of our beloved “classical” music art form.  HOWEVER, I believe that this bright future for us can only be achieved by a seismic change in attitudes and practices by our “classical” music profession.  

 

A Resounding “Call to Action”

 

I am creating this blog in order to reach out to my fellow arts professionals and “classical” music lovers everywhere— executive directors and music directors, musicians, writers on music,  and pretty much anyone who cares deeply about the future of “classical” music.  My goal is for this blog to create a dynamic dialogue that will encourage all of us to change and grow.

 

Artistic Formulas— not in this blog

 

By the way, in this blog I will resist providing “answers” or “one-size-fits-all” solutions.  Why?  Because I believe “artistic formulas” have largely contributed to the “classical” music crisis.  (The subject of another subsequent blog entry)

 

Creating a “Classical” Music Audience That We Only Dream of

 

In this blog I will explore many different models and approaches that I believe can help “Save Classical Music.”  This first entry will focus on a special group of inspiring artists who are pushing the envelope of our art form and redefining “classical” music.  These are “classical” musicians who are winning over countless millions of new converts on a global level, transcending boundaries of age, class, race and nationality.  Now that is something to celebrate!     How are these inspiring artists doing it?  They are combining compelling elements of dominant culture with “classical” music. They surprise.  They delight.  They astonish. They make us want to hear more.  And millions of new converts are clamoring for more.

 

Let’s examine a few success stories to see what lessons we might be able to apply to our own work in the “classical” music biz….

 

Yo-Yo Ma (or “Yo Mama” as he is called by his close friends) has demonstrated a genius for entrancing audiences and for building NEW audiences for “classical” music.  And he does so in a manner that is sincere and tasteful.  His seemingly boundless appetite for collaborating with musicians from different genres and traditions is breathtaking.   Speak the “Musical Vernacular” & Create Cultural Relevancy and Immediacy I use the term “musical vernacular” to describe American home-grown musical styles.  Yo-Yo Ma embraces these worlds of folk, jazz, pop and world music, and by doing so is cultivating new audiences.  In the process, he brings a “cultural relevancy” and “cultural immediacy” to “classical” music.  

 

What lessons can we “classical” music leaders and lovers learn from Yo-Yo Ma’s successes?  How can we bring the same kind of “cultural relevancy” and “cultural immediacy” to our “classical” music performances?  How can we best bring Yo-Yo Ma’s integrity, taste and sincerity to our own collaborations?  How can we develop unique partnerships that give the music we present a fresh and accessible voice?

 

We can look very carefully at our own communities and collaborate with the most gifted and celebrated musicians who embrace American home-grown musical traditions.  We can make creating cultural relevancy and immediacy a priority.

 

Let me give you a few concrete examples from my own experience…

 

This season, my orchestra will feature a violinist playing “standard rep,” followed by one of her iconic arrangements of folk and blue-grass “americana”.  She has a huge local and YouTube following, so the goal is to create some cross-pollination between our audiences.  

I have also featured Branford Marsalis performing my own jazz-infused compositions, standard “classical” repertoire and jazz— all in the same symphony orchestra concert.  

To create a sense of cultural relevancy and immediacy for my orchestra, I composed and performed a piece that showcased numerous musical groups, representing a wide range of styles that captured the uniqueness and diversity of my symphony community.

 

As a music director I strongly believe in performing accessible new works that deeply resonate with our communities and profoundly connect with the world around us.

 

Yo-Yo-Ma’s creativity has had other far-reaching results — his collaborations in the musical vernacular have paved the way for two new generations of “classical” innovators!  Just for fun, and also to demonstrate the depth of Yo-Yo Ma’s influence, let’s look at what some other innovative cellists are doing…    

Steven Sharp Nelson, the cellist and headliner for The Piano Guys, exudes joy and whimsical delight.  His performance persona is infectious, and he has won over countless millions with his classically-rendered and classically-influenced pop covers.

Breaking the Mold… Expressive Body Language

 

This brings me to the subject of “stage presence”.  The quintessentially “classical” conservatory training idealizes a stone-like motionless AND emotionless physical attitude.  The result for me as a conservatory graduate?  A severe case of repetitive-motion syndrome.  In fact, the orthopedic surgeon told me that my piano performance career was over.  That injury ran deeper than the pain itself.  

 

A new teacher completely re-trained me to use the larger muscle groups and to move my body in an organically “expressive” manner.  Thankfully, this resulted in a reversal of the debilitating repetitive-motion syndrome.  And something else happened to my absolute surprise and delight — I developed a deeper level of communication with my audiences.  I gained greater expressive power and the freedom to connect with my audiences in a more visceral manner.

 

While I’m on the subject of stage presence/personas let me highlight the work of an even younger generation of cellists — The 2Cellos.  Wow — what would my conservatory teachers have to say about their stage presence?  The 2Celloscompletely reject the sacrosanct “classical” music stone-faced and stone-still demeanor.  Rather, they embody a rock music-like intensity.  Their stage personas communicate raw energy and emotion.  BTW — I’m not necessarily advocating destroying a full bow of hair on every song — although it could be very therapeutic upon occasion 🙂

This underscores a much larger challenge for us.  If we want to attract audiences from other genres to “classical” music, we need to provide the same kind of visceral and emotional connection that they are accustomed to.  For many, that’s the most compelling reason for investing in the concert experience—the human connection between the performer and audience creates a transcendent experience. The key to this vital relationship is in not only in the music we play, but in the body language we use to express it.

 

Surprise… Delight… Astonish and Conquer

 

The element of astonishment, delight and surprise that characterizes the work of Yo-Yo Ma, The Piano Guys and the 2Cellos is fundamental to the phenomenal rise of this new movement in “classical” music.  

We owe a huge debt of gratitude to these inspiring forward-thinking musicians.  They are, ironically, forging a path that could return us to many of the qualities that exemplified our “classical” glory days.  I’m referring to the period in our own venerable “classical” music history that gave rise to the public concert in the first place. The breathtakingly rapid rise of the public concert during the first part of the nineteenth century in Europe can be attributed to many factors: Novelty.  The ability to astonish.  The ability to surprise.  The ability to delight.  The mix of the new and the old.  By the way, around the year 1800, public concerts were comprised of 80% NEW MUSIC.  

 

In order to “Save Classical Music,” I believe we need to create similarly varied concerts full of surprises and delight.

 

[In another subsequent blog entry I will explore in greater depth the importance, implications… and CHALLENGE of this important historic precedent.]

Embrace Highly Successful “Classical” Offshoots

 

The relatively young “classical”—offshoot genre has been given the umbrella designation of… “Classical Cross-over”.  I have intentionally avoided this term until now.  Why?  Because it is so often misunderstood — even denigrated, by so many of us in the “classical” music biz.  But we have so much to learn from this relatively new “classical” music offshoot which is growing at a phenomenal rate.  They are doing all of the things I believe we need to be doing in order to “Save Classical Music.”   

 

These “Classical Cross-over” artists are:

 

Breaking away from Artistic Formulas

Creating New Audiences for Classically-Inspired and Classically Performed Music.  They are winning over countless millions of new converts on a global level that transcends boundaries of age, class, race and nationality.

Speaking the Musical Vernacular, Creating Cultural Relevancy & Immediacy

Expressively Using Body Language.  

Surprising… Delighting… Astonishing and Conquering . We in the “classical” music biz need to recreate that same sense of discovery and wonder in each and every one of our concerts.

 

Thankfully, these innovative artists are creating blueprints for success.  Let us be open to the myriad lessons they offer us.   

 

I am closing this entry by sharing an amazing statistic with you.  I recently posed the following question to the Director of Programming for YouTube, “What is the largest audience for music that uses symphonic instruments?”  His response might surprise you.  His answer was, “Definitely NOT Classical Music!  There are actually two categories that have significantly larger audiences.  One of them is “Classical-Crossover.  The other is… (read my next blog entry to find out:)
 ) The implications of this response are profound.  If one only looks at the indicators for traditional “classical” music—declining attendance, the aging of “classical” music audiences, demise of classical CD record companies and stores, and the bankruptcies/closures of iconic classical music institutions— then one can easily adopt a pessimistic view of the future of “classical” music, as I used to.  

However, the statistics show that “classical” music has already given birth to brilliantly successful new genres that are winning over converts all over the world. (The Piano Guys have videos with almost a billion views.)

 

We need to open our eyes to the success and potential of these “classical” off-shoots.  Through extremely thoughtful integration and synthesis of these related genres, “classical” music too could reap some of the rewards.

 

If we can make relevant connections and organically apply them to our own programming, and to our vision for the impact that “classical” music can have in our world, we can not only “Save Classical Music,”  but perhaps even redefine it.  
We just need to open our eyes, minds, ears …and hearts.

 

I look forward to your constructive ideas, suggestions … and dreams.  Onward!

 

[The next blog Entry… How Can WE Save Classical Music?:  The Power of Film Music

 

Kim Allen Kluge

Más allá de este texto, voy a añadir / complementar mi versión de lo que sucede en la música clásica. En mi opinión, esto tiene mucho que ver con todo lo que rodea al mundo clásico: sus dinámicas, las personas que trabajan en él, la forma de pensar en la propia música y la forma de abordar nuestra relación con ella.

Ahora sí, las 3 causas:

 

1. Ambiente enfermizo, competitivo y poco empático en muchas clases de instrumento y en los conservatorios

 

Creo que cualquiera que haya estado años en un conservatorio o estudiando un instrumento a alto nivel sabe a qué me refiero. Quizá hayas tenido suerte y tu profesor fuera majete, buen pedagogo, motivador y poco amigo de la competitividad. Pero en mi caso por ejemplo eso ha pasado solamente durante algunas etapas de mi formación musical.

A veces me sorprendo de que haya sobrevivido a ciertas dinámicas y ciertos profesores. De que mi ilusión por el piano siga, a pesar de todas las crisis que he tenido. Otros colegas de profesión con los que hablo también se sorprenden. Y si he superado todo esto es porque tuve que pasar revista a toda mi historia como estudiante de piano y músico, para identificar todo lo que yo no quería hacer y consideraba innecesario.

Porque, ¿quién no ha vivido algunas o todas las siguientes situaciones?

  • Miedo a ir a clase con determinado profesor.
  • Miedo antes de salir a un escenario y durante la actuación. A qué te juzguen, a que no sea suficientemente bueno, etc, etc
  • Grandes exigencias por parte de algunos profesores que no saben decirte “cómo” resolver ciertas dificultades. Pero presión, toda la del mundo, porque “esto te tiene que salir”.
  • Grandes exigencias por parte de uno mismo.
  • Sensación de no llegar al nivel adecuado / insatisfacción permanente.
  • Asociación de la propia autoestima con el resultado de un concierto, prueba, etc.
  • Preocupación por no fallar al tocar en vez de atención en disfrutar y hacer música.
  • Críticas a compañeros / envidias, por parte propia o de terceros.
  • Competitividad exagerada y egos inflados.

Creo que puedo afirmar por mi experiencia que muchos de estos puntos no son para nada una excepción, sino más bien una regla en muchos lugares cuando la enseñanza musical se dirige a determinado nivel. Yo he tenido varios de los síntomas anteriores durante tiempo y los he visto en multitud de otros músicos.

Ni que decir tiene que aparte de la persona que se relaciona con su instrumento de esta forma pierde. Y la otra que pierde es la música misma.

Porque, ¿cómo es posible que otras personas se interesen por lo que hacemos si nosotros mismos no disfrutamos tocando? ¿o si no somos capaces de expresar de una forma auténtica y fluida la música que hemos preparado? ¿o si estamos más pendientes de tocar “correcto” que de permitir que nuestras ideas musicales salgan con naturalidad? A nadie le gusta ver a otra persona sufrir en un escenario.

Las personas quieren disfrutar, tanto dando clases como en un concierto. Por eso quienes han conocido cierto tipo de clases de instrumento en las que tuvieron malas experiencias no vuelven a interesarse por él o por ese tipo de música. Prefieren pasarse a escuchar / aprender otros géneros como el jazz, el funky, el rock o el flamenco. Conozco varios casos cercanos de amigos a los que les ocurrió esto. Y ni que decir tiene que la mayoría no van nunca a conciertos de clásica.

Otros estudiantes lo acaban dejando después de soportar presiones muy altas durante mucho tiempo. Y los que sobrevivimos, tenemos en muchos casos que revisar profundamente nuestra relación con el instrumento, con la música y con todo lo que la rodea. Si no lo hacemos, seguiremos reproduciendo lo que aprendimos: mano dura, exigencias muy altas y presión sobre nuestros alumnos. Aprender como obligación, en vez de como disfrute. Mejorar como exigencia en vez de como reto.

Ha llegado un punto, además, donde parece que esta forma de enseñar y aprender es normal. Donde el miedo parece formar parte de la actividad. A mí me parece que hay otras opciones.

 

Soluciones:

Tenemos que revisar profundamente nuestra relación con el instrumento, nuestras expectativas sobre nosotros mismos y nuestra propia historia personal. Hacemos música para disfrutar, y a menudo se nos olvida por el camino. Los músicos más famosos de la actualidad suelen disfrutar: Yo Yo Ma, Lang Lang, Volodos, Joshua Bell, Janine Jansen, etc, etc.

Un blog que habla de todo esto es Viento Rubato.

 

2. Excesiva seriedad, rigidez y atmósfera aséptica en los conciertos

 

Siguiendo con el tema de “disfrutar”, cuando un concierto se convierte en un protocolo donde importan más las apariencias que la esencia, donde muchos músicos van simplemente a “hacer el programa de turno” y el público a socializar en una noche más, entonces se pierde esa energía y ese entusiasmo que te invita a volver, que te hechiza y te fascina.

Siempre me acordaré de un concierto en Salzburgo, en el Festspielhaus. Tocaron una de las últimas sinfonías de Mozart y la sinfonía alpina de Strauss. Fue un verdadero tostón. Y tanto la orquesta como el director eran famosos. Todo muy correcto. Todo sonaba estupendamente. Pero allí nadie estaba disfrutando, nadie estaba entusiasmado. Estaban dejando pasar compases uno detrás de otro sin más.

Alguno de los conciertos de orquesta que yo personalmente más he disfrutado han sido de orquestas jóvenes: JONDE, JOCMA, OJA, etc. Quizá no tuvieran la calidad técnica de otras orquestas profesionales, pero había una energía muy buena, había ganas, había entusiasmo, había pasión. Y eso se nota.

Muchos conciertos de otros géneros musicales son verdaderas fiestas y estupendas experiencias: funky, samba, rock, jazz… y sí, incluso pop.

Tengo un excelente recuerdo de un concierto con Kenny Garrett en el Auditorio de Zaragoza donde empezamos sentados en una mesa disfrutando y acabamos todos de pie al lado del escenario bailando. Fue una experiencia inolvidable.

Por supuesto, esto no quiere decir que tengamos que convertir los  conciertos en una fiesta o necesariamente levantarnos a bailar. Pero si los intérpretes te hacen vibrar, estarás bailando tú internamente aunque estés sentado en tu butaca.

¿O acaso no bailas tú mismo en casa en tu silla viendo tocar a esta pianista este final de la Rapsodia Española de Liszt? Y bailas porque la primera que baila es ella…

Otro caso que recuerdo fue el recital de Pablo Villegas en Expoclásica 2014. Se dirigió a nosotros nada más empezar y en todo momento mantuvo un diálogo con el público, en un ambiente distendido y relajado. Fue una experiencia muy distinta al típico protocolo serio del recital tradicional, donde a veces parece que se puede cortar la tensión con un cuchillo.

De hecho es más, en el siglo XIX, los conciertos de Paganini o Liszt eran todo lo contrario a un ritual serio y solemne. Más bien eran verdaderos circos o shows de magia donde los virtuosos convertían lo imposible en posible. Y la ópera, en general, también es muy distinta.

Soluciones: 

Podemos convertir los conciertos en un acto relajado y distendido donde podamos disfrutar y hacer disfrutar al público. Para ello muchas veces tendremos que revisar el punto número uno. Es necesario superar ciertas dinámicas y procesos mentales y emocionales a la hora de tocar.

Por otro lado, tenemos que recuperar el entusiasmo al tocar. No podemos salir a un escenario a “cumplir”. Para eso creo firmemente que es mejor no salir. En el mundo de la música antigua lo han sabido ver muy bien y muchos conciertos son realmente espectaculares.

Además, mezclar géneros en un mismo concierto puede funcionar muy bien. Ya sabemos lo bien que funciona la música de cine o de videojuegos. También sucede cuando un músico de jazz o de flamenco sale a un auditorio a tocar con una orquesta.

 

3. Música “nueva” desconectada durante demasiado tiempo del público y de las emociones

 

La música contemporánea, nueva, “de nueva creación”… El eterno tema. Que si subvenciones sí, subvenciones no. Que si es una cuestión de educación musical. Que si el público no tiene cultura y no la entiende. Que si se explica entonces ya es otra cosa. Muchas posturas y cientos de opiniones. Y multitud de debates “estéticos” al respecto.

Yo no voy a entrar en el debate estético a fondo. Voy a atajar un poco. Estoy de acuerdo en que dentro de la música contemporánea y del siglo XX hay autores muy interesantes. Pero, sinceramente, pienso que hay muchos otros compositores que se han metido en una senda que no lleva a ninguna parte.

Creo que el “caos sonoro” y la música con mucho “ruido” tiene que estar excepcionalmente bien concebida para que el resultado sonoro sea algo que se pueda disfrutar. Dejo así de vaga mi descripción porque creo que sabes bien de qué tipo de música hablo.

Voy a hacer un símil culinario: por mucho que me guste experimentar con ingredientes, si no me gusta una combinación determinada, me da igual cómo lo hayas cocinado. Puedo entender cómo lo has hecho, puedo entender la idea detrás de ese plato, pero si no me gusta no me gusta. Y la tortilla de patata podrá seguir estando rica hoy, mañana y pasado. No es imprescindible “innovar por innovar”.

Yo pienso que la música tiene que conectar con las emociones, con nuestro gusto, hacernos vibrar, etc. Una música aséptica donde todo lo más interesante son ciertos “efectos” o cuestiones intelectuales, por supuesto que es válida, pero no creo que pueda trascender y estará siempre reservada a una minoría.

En mi opinión, Shostakovich, Ligeti, Stravinsky, Messiaen, Britten o Schnittke, así como otros, conectan perfectamente. Incluso a pesar de sus propias ideas estéticas (como en el caso de Stravinsky, que veía la música casi exclusivamente como ejecución y menospreciaba el papel del intérprete o la emocionalidad). ¿Lista conservadora? Quizás, pues la frontera de lo que no conecta para mí está cerca, con otros autores contemporáneos de los mencionados. No me voy a aventurar dando más nombres :).

Lo más habitual en mi etapa de estudiante era que la música que hacían muchos compañeros de composición, no le gustara ni a los propios compañeros que estudiaban otras especialidades. Como para buscar un público fuera del ámbito musical. De hecho algún compositor me ha confesado que la música que hacía no le gustaba ni a él mismo. Por supuesto que hay excepciones, pero creo que no son tan numerosas. Si eres compositor y eres una excepción, ¡enhorabuena!.

Soluciones

Algunas preguntas me parecen importantes:

  • Si eres compositor, ¿sigues ciertas ideas estéticas por ti mismo o porque donde estudiaste era lo que predominaba?
  • ¿Te gusta la música que haces?
  • ¿Qué dice la gente que escucha tu música? ¿Te estás engañando a ti mismo / te dejas engañar por comentarios no del todo auténticos de otros compañeros, familiares o amigos?

Relacionado con esto último, creo que es hora de empezar a manifestar nuestra opinión abiertamente. He visto muchas personas que no eran capaces de decir que no les había gustado una obra o un concierto. Pero sí he visto a público “llano” abandonar algunos conciertos y jurar no volver más a un evento de música contemporánea.

Flaco favor haces en un restaurante si te preguntan si estaba rico el plato y dices que sí, cuando es que no. Lo importante es el feedback, para poder seguir mejorando. A lo que hay que añadir que parece como si algunos compositores llevaran ignorando décadas este feedback. Aún así, repito: hay excepciones, afortunadamente.

Una solución para mí es unir esas obras “experimentales”  con otras artes contemporáneas: instalaciones, teatro, etc. Convertirlas en una experiencia. Es posible que así funcionen mejor.

Otra opción creo que es volver a conectar el papel de intérprete-compositor-improvisador que hasta finales del siglo XIX no se empezó a disociar.

Mientras tanto, el público mayoritario seguirá disfrutando de los compositores de siempre, compositores de música de cine, jazz, rock progresivo y otras manifestaciones “cultas” con las que resuenan. En 2016 creo que esto último es un hecho, no una opinión.

 

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Para terminar, no creo que la música clásica esté en peligro de extinción ni mucho menos. Sobre todo en lo que se refiere a la escucha privada. Un vistazo a las reproducciones de muchos vídeos en YouTube arroja una perspectiva muy optimista. No en vano a través de este medio puedes ver a los mejores del mundo. Pero los conciertos en vivo de intérpretes más modestos, eso sí que está para revisarlo. El mundo de los músicos de a pie que tú y yo vivimos en el día a día.

Si te sientes identificado con estas razones, nos ayudaría a todos que compartieras este artículo. ¡Gracias! 🙂

 

Mario Nieto

Soy pianista y musicólogo, coautor y cofundador de Emusicarte. Escribo sobre temas de actualidad musical, intentando dar pie al debate y la reflexión.

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22 comments

  1. luis j. mateo acin

    Quizá que la palabra emoción está ligada a un estadio decimonónico caduco que ya no representa a nuestro mundo contemporáneo. Como ya esgrimieron los impresionistas con el colorido de la paleta orquestal, la música de los siglos XX y XXI da fe de otros atributos, además, como el aroma, el aura, el ambiente, la percepción total de la obra a posteriori, el deleite intelectual y, parafraseando al pintor Manuel Viola, el arte contemporáneo no tiene que preocuparse ya de ningún presupuesto estético, tiene que imbricarse con los problemas existenciales del hombre. El concreto humano nos exige cada vez más una difícil comprensión, en cuya clave artística nos es dada la música para soliviantar las tensiones inherentes a él. Es entonces que la música (la Art Music), como la Ciencia, la Pintura, o las demás artes, gozan de una salud próspera, en cuya comprensión, nos aclara la pregunta y la respuesta. ¿Para qué sirve la música? “Sin música la vida sería un error” decía Nietzsche. Sin progreso y avance, la Humanidad también sería un error.

    • Hola Luis!

      Respetando tu opinión no estoy de acuerdo con ella.

      Repito que me parece totalmente válido recrearse en la “intelectualidad” del arte, las ideas, la percepción, el efecto, etc. Pero desligarlo de la emoción, solamente puede llevar a que interese a una minoría, como ya se ha visto durante suficientes años en mi opinión.

      Creo además que es una simplificación decir que la “emocionalidad” es decimonónica. El jazz tiene emoción, los compositores que he nombrado también, el funky tiene emoción, el flamenco tiene emoción, las músicas africanas tienen emoción, etc, etc.

      De hecho, más allá de la palabra “emoción”, los seres humanos éramos emocionales antes y seguimos siéndolo hoy en día. Esto sí que no es una cuestión de “progreso” o “evolución”.

      Además, una cosa es lo que se dice y otra lo que sucede. Fíjate que Stravinsky pretendía escribir asépticamente y rechazaba esa “emocionalidad”. Pues contrariamente a sus propias tesis, gran parte de su música es muy “emocional”, con esas melodías que tiene o esos ritmos tan “sensoriales”.

      Pero bueno, es mi opinión. Gracias por expresar la tuya también 🙂

    • Luis Ángel de Benito

      Hombre, Luis J. Mateo:::
      1) Por supuesto, los que “habitamos” el siglo XXI ya no tenemos emociones porque nos ha convencido Stravinsky, no sea que quedemos de caducos. (Esperemos que los refugiados de Siria no nos emocionen mucho nuestro “deleite intelectual”) .
      2) Los “problemas existenciales del hombre” se reflejan tanto en la “música contemporánea” que ésta es la que menos se escucha entre sus congéneres contemporáneos. Se ve que no sabemos apreciar ese gran esfuerzo de “imbricación existencial”. Y eso después de más de 100 años de ayudas, promociones y subvenciones como nunca antes en la historia. Pero bueno, paciencia a ver si en el 3000 tragamos.
      3) Brevemente, ¿podrías indicarme los parámetros objetivos, científicos a ser posible, de “progreso y avance”?… Estoy deseando conocerlos.

      En todo caso, disculpa, querido tocayo, el tonillo impertinente de mi post. No es personal y te expresas muy bien. Debes ser de la edad de mis alumnos de fin de carrera, o quizá más joven. Y llevo 30 años escuchando estas supersticiones (no siempre tan bien escritas como tú has hecho) entre mis alumnos de Composición, sobre el “progreso” y lo “caduco” de las emociones y el arte que debe reflejar no sé qué problemas existenciales y esos argumentos que son ¡¡muy muy viejunos!! y no le interesan a casi nadie del mundo real, es decir, del mundo fuera de los conservatorios.

      Pero admitiré cualquier argumento que muestre mi error. Te mando un saludo amistoso.

    • Oyente

      “la palabra emoción está ligada a un estadio decimonónico caduco”. hmm. Supongamos que mañana te diagnostican un cáncer de colon avanzado. ¿Me puedes explicar como transformas ese estadio decimonónico caduco, que con probabilidad 100% te va a penetrar hasta lo mas profundo de tu mente, en algo “moderno” o “actual”? Tengo la impresión de que te has armado un verdadero lio con todo lo que sigue en tu párrafo.

  2. Marina Lozano Lax

    Cuando nació la radio, todo el mundo puso el grito en el cielo con que la prensa escrita iba a desaparecer. Lo mismo dijeron de la radio cuando apareció la televisión. Y lo mismo de la televisión cuando surgió internet. Ninguna de esas alarmas se consumó de verdad. Lo único que ocurrió es que cada canal se tuvo que reformular en base a los medios técnicos disponibles, los nichos del mercado del momento y el criterio de la nueva audiencia.
    Lo mismo ocurre hoy con la música clásica. No es que muera, sino que tiene que adaptarse a compartir espacio y público con toda la oferta cultural y de entretenimiento de la sociedad actual, que no es precisamente poca: hay mucho donde elegir. Lo que, dicho por otra parte, no es intrínsecamente malo. Pongamos un ejemplo (a mí me ha pasado): te programan un concierto el mismo día en que en tu ciudad hay otros cuatro conciertos para un mismo perfil de público. ¡Qué desgracia, nadie vendrá a escucharme! – pensamos egoístamente. Lo cierto es que no: es bueno para el conjunto de la sociedad que se produzca esa oferta que tanto reivindicamos.
    Pero ahondemos un poco en el análisis, que es lo que me ha parecido leer entre líneas: que deberían reformularse ciertos aspectos de la práctica profesional de la música, desde la enseñanza y desde el concierto, para -digamos- “actualizar” un poco el oficio. Bien, en esto estoy de acuerdo.
    Por una parte, sería conveniente ampliar y democratizar más aún la enseñanza de la música, tanto en la educación primaria y secundaria como en los conservatorios profesionales, no sólo para hacer accesible la cultura al conjunto de la sociedad, sino porque así se forma el público del futuro, el público en potencia para las producciones que están por llegar, el público en el que los programadores de hoy deberían fijar su atención.
    Lo que decía: por una parte, serían convenientes más cantidad de horas de enseñanza musical en los currículos, más cantidad de plazas en los conservatorios, más oferta formativa y metodológica. Esta medida, cuantitativa y cualitativamente hablando, es, en última instancia, competencia política y -mucho me pesa reconocerlo- dista mucho de la tendencia de los últimos años y la perspectiva de los venideros. No dejemos de tenerlo en cuenta para hacer una crítica más veraz, más allá del anecdotario de aula.
    Por otra parte, sería positivo abrir el espectro de las obras programadas en los conciertos. Cuando hablamos de hacer la música más atractiva al público, asumimos en cierto modo que se trata de un producto de mercado que debe adaptarse a los intereses de los clientes que lo consumen (!). Ese es el principio de muchos programadores, que apuestan por programas que gozan ya de cierta aceptación entre el público asiduo. No corren grandes riesgos: les dan al público lo que quiere escuchar, porque el público incondicional es más bien reacio a los experimentos (no sólo en música clásica hay puristas, también en el flamenco y en toda manifestación artística que, por antonomasia, se funde en la tradición). Causa o consecuencia de ello -esto no lo sé- es que se inste a los jóvenes estudiantes a centrar toda su atención únicamente en el estudio del repertorio clásico, y que el público “sienta” que la música “nueva” está desconectada.
    La llamada música “contemporánea” (que no ha sido sino toda la música, justo en la época en que fue creada) tiene un público reducido, precisamente porque lo nuevo no es siempre aceptado en su tiempo y porque no existe la perspectiva estética suficiente para juzgarla. No olvidemos, por ejemplo, que todavía había reticencias respecto de las últimas obras de Beethoven cuando ya había pasado medio siglo de su muerte. El ejercicio de la creación, en sí mismo, no puede depender de la aceptación, sencillamente porque lo necesario y lo placentero no son la misma cosa, porque toda creación viene de un lugar y lleva a otro al que no se puede llegar sin pasar por él, nos guste más o menos. Fijémonos en la contribución de Pierre Boulez a la creación musical y abramos otro debate sobre lo poco que nos gusta su música y, sin embargo, lo fundamental que ha sido.

    Sólo puntualizar estos aspectos que me parecen delicados. El debate es muy interesante y me parece una buena propuesta. Saludos y enhorabuena por el blog.

    • Gracias Marina, muy interesante tu comentario.

      Contestaré a un par de cuestiones:

      – Estoy totalmente de acuerdo con que no va a morir y que todo pasará por adaptarse a la nueva realidad. Este post es un pequeño tirón de orejas para quienes aún no han dado un paso adelante y siguen esperando que vuelva el pasado. Actualmente ya hay muchas iniciativas muy interesantes en otras direcciones.

      – A mí más que el “qué”, me parece aún más importate el “cómo”. Es decir, sí la enseñanza musical es fundamental. Pero, ¿qué enseñanza musical? Porque por mi experiencia, en algunas clases de música por ejemplo en colegios e institutos, se destruye más público del que se crea. Y eso depende del propio docente, su vocación, su forma de dar clase y su competencia. Y lo mismo con algunos profesores de instrumento, que consiguen que algunos alumnos lleguen a odiarlo y solamente resisten quienes tienen un interés demasiado grande por la música misma y gracias a eso aguantan el tirón.

      – “La llamada música “contemporánea” tiene un público reducido, precisamente porque lo nuevo no es siempre aceptado en su tiempo y porque no existe la perspectiva estética suficiente para juzgarla.”

      Con esto no estoy de acuerdo. Es el argumento típico que esgrimen muchos compositores y me parece falaz. Es decir, sí, a algunas obras y compositores del pasado les pasó esto, pero para nada es una regla. Mozart, Beethoven, Haydn, Verdi, Rossini, Liszt, Chopin, Wagner, Ravel, Stravinsky, Shostakovich, Prokofiev y otros muchos tuvieron éxito y grandes públicos en su tiempo con muchas de sus obras. Evidentemente no con todas. Además su relevancia era mucho mayor, pues se hablaba de ellos en los círculos intelectuales extramusicales. Pero creo que algunos compositores utilizan ese argumento para dejar de mirar el hecho de que su música no despierta gran interés. Y pasan los años y todo sigue igual…

      – “Por otra parte, sería positivo abrir el espectro de las obras programadas en los conciertos.”

      Con esto estoy totalmente de acuerdo. Y es más el crossover funciona muy bien, como indica el artículo en inglés que aparece en el post.

      Desde luego el debate es interesante 🙂

      Un saludo!

  3. Mario Suárez

    Yo he sido un músico (guitarrista) “de la calle” toda la vida. Autodidacta. Llevo dando conciertos y “bolos” como guitarrista y cantante desde que tenía 14 años (ahora tengo 36) y nunca he tenido problema ninguno. Decidí entrar al conservatorio ya a una edad muy avanzada, hace tan solo 2 años de hecho, con el mero objetivo de sacarme una titulación que me ayudase laboralmente en mi actividad docente.
    Pues he de decir que ya tengo un trastorno de ansiedad escénica que no había padecido en la vida. De quedarme totalmente bloqueado y no poder ni comenzar una audición. Y no es una autodiagnosis. Ya he pasado por sesiones de psicólogo, feldenkrais, hipnosis…

    Por falta de nivel no es:
    Entré con prueba de acceso a 3º de grado profesional. Ese año hice 3º y 4º, y este año podía haber hecho 5º y 6º sin problema aunque por causas familiares decidí ir un poco más tranquilo. Y con nota. Y eso que yo tocaba (toco) la guitarra eléctrica; en la vida había tocado repertorio clásico y mucho menos soltado la púa de mi mano derecha). Aun así, en 3 años una carrera de 10. No es por falta de nivel.
    Y he tenido mucha suerte con los profes. Mi tutor, con el que me llevo muy bien ya que es prácticamente de mi edad siempre me dice que como músico le doy 1000 vueltas a cualquiera de allí; no hay más que pedirle a alguien que improvise para ver caras de pánico. Y está de acuerdo conmigo en el contenido de este artículo, el cual casa al 100% con mi punto de vista.
    En los conservatorios no se enseña a ser MÚSICO. Se enseña a tocar obras. Se enseña a meter horas. Se enseña a cumplir y a ser correcto. He llegado a hablar con mis profesores de asuntos de armonía práctica aplicada, sensaciones sonoras, groove y sentido rítmico, y no saber por dónde les pegaba el aire. Eso sí, dales una partitura y te tocan lo que sea. Una vez un profesor me preguntó con asombro cómo sabía, sin ver la partitura, que una pieza que sonaba estaba en escala (a mi me gusta más decir “sonoridad”) lidia. Yo le dije, “pues porque sé cómo suena algo lidio. Reconozco la sensación sonora de una escala lidia. Y se me quedo mirando como si le estuviera hablando de marcianadas.
    Yo que queréis que os diga. esta formación no es para mí. El año que viene conseguiré mi título e iré a por el superior de jazz a ver si cambia algo la cosa. Espero que dejando atrás el ambiente del conservatorio clásico desaparezca mi problema de ansiedad. Me dará pena porque he hecho amistades aquí, sobre todo a nivel de profesorado, y porque las obras que toco para guitarra clásica me parecen superbonitas e interesantes, además de suponer un reto. Pero eso, siento que aquí mi desarrollo como músico está muy mermado.
    Un saludo.

    • Hola Mario,

      Tu testimonio es de lo más interesante por ser de alguien que viene un poco de fuera y que ofrece una perspectiva quizá más objetiva que los que hemos estado dentro toda la vida.

      Me alegro de que pese a todo haya tenido también su parte positiva!

      Muchas gracias por pasar a comentar tu experiencia.

  4. Gustavo Britos Zunín

    Lo que se podría comentar acerca de todo esto daría para escribir un post completo… así que ¡trataré de ser todo lo breve que pueda!

    Número uno, presentarse en público debe ser ante todo una experiencia de comunicación, de transmitirle al público lo que el compositor ha querido expresar, pues se supone que el público es un conjunto de personas que concurren a disfrutar de momentos de arte y no a una función de circo malabarístico a ver si el intérprete equivoca algunas notas y dónde, a aplaudir la alta velocidad con que se toca tal o cual parte de la obra, en fin todo eso. La diferencia de actitud del músico hacia el público es lo que no sólo establece o rompe la comunicación y, además, permite o no disfrutar de la presentación en público y que no sea ésta una fuente de pánico. Por eso, estoy de acuerdo contigo en cuanto dices a este respecto. Yo agregaría, solamente, que ese estado de ánimo que permite la comunicación con la audiencia depende más de lo que se cree de la forma como hemos estudiado y ensayado previamente la partitura. Escribí hace algún tiempo algo acerca de esto – queda mi invitación a leerlo – aquí: http://musicaclasica-2.blogspot.com.uy/p/se-pode-perder-o-medo-ao-publico.html

    No concuerdo tanto en lo que se refiere a mezclar diferentes géneros de música en un mismo concierto. Es verdad que se han dado excepciones brillantes, por ejemplo F. Gulda haciendo una primera parte de su recital (que tuve la suerte de ver en vivo) con música de Bach solamente, y, en la segunda parte, una improvisación de jazz donde hasta en cierto momento hizo una pausa, encendió un cigarrillo que dejó colgado de los labios y siguió tocando el piano como si tal cosa. Pero, en general, la mezcla no ha dado grandes resultados como estrategia en si misma. Los conciertos de los “Tres Tenores” con repertorio mezclado no hicieron gran cosa a favor de la ópera y, mucho menos, aquel programa ya olvidado “Pavarotti y sus amigos” en donde el gran tenor cantaba incluso a dúo con estrellas famosas del pop. Si bien es cierto que esta mezcla da la oportunidad de conocer (a cada parte del público) música que quizá nunca habían oído antes, se ha terminado concluyendo en que poco aporta en el sentido cultural y que la mitad del público disfruta de lo que ya le gustaba escuchar y se queda esperando a que “pase” el resto de la música, aunque ésta última pudiera hallarla interesante.

    Y esto me lleva a un detalle acerca de la “seriedad” excesiva que, por cierto, sigue siendo falta de comunicación entre el músico y el público. A veces no hay que dejarse engañar, creo, por la sola “expresividad” de los gestos faciales y corporales para creer que hay comunicación. Especialmente en los pianistas asiáticos de nueva generación – a quienes mucho admiro, pero no tanto a Lang-Lang en sus versiones más recientes – que son el resultado de una teoría que sostiene que la gestualidad planificada incide en la expresión al tocar, contra otra teoría que sostiene que la expresión facial y corporal es consecuencia de lo que el músico siente mientras toca. ¿Quién tiene razón? No me aventuraría a decirlo en este momento, pero si a la misma pianista del ejemplo la observamos en la Op. 111 de Beethoven https://www.youtube.com/watch?v=PuhYzlAur8w podemos ver que hay una expresión facial estereotipada y constante para todos los momentos dramáticos de la obra. Casi no cabría duda de que esto fue estudiado previamente. Ella es una gran pianista, aparte de este detalle, su versión de esa Sonata me gusta y tiene incluso algunos toques de personalidad en ciertos momentos… pero no me quiero distraer. Pianistas como Horowitz, Rubinstein, Cziffra, Arrau y otros por el estilo, no han sido precisamente estatuas tocando, pero se nota que sus gestos corporales y faciales son absolutamente espontáneos, vienen de “adentro”, desde la música misma, no al revés.

    ¿Qué diré de la música “nueva”…? Pues que ya no es nueva ninguna tendencia que cumplió un siglo de historia y sigue siempre igual que hace 100 años. Aquello de que sería música que las futuras generaciones entenderían, ya pasó. ¡El futuro ya llegó! Y es muy posible que allá a principios del siglo XX se haya comenzado a producir una ruptura entre el público y el compositor y la brecha sigue abierta. ¿Que si en los estudiantes y compositores de hoy hay miedo de no coincidir con los moldes académicos apoyados por los profesores y hasta por la crítica musical especializada? Pues claro que lo hay. Pero ese miedo, y la adaptación consecuente buscando reconocimiento profesional, son espejismos porque así un compositor nunca podrá ser sincero cuando compone. Yo soy compositor, sé lo que es eso, así que escribo, soy sincero en lo que quiero expresar con los sonidos, y me importa un bledo lo que los académicos puedan opinar desfavorablemente. El público ha dicho que lo que compongo “le llega”, que le transmite algo, y con eso es suficiente.

    Perdón por el tostón 🙂 Es que es un post con mucho jugo.

    Un saludo

    • Hola Gustavo!

      Gracias por pasarte a comentar y explayarte tanto con tu comentario.

      Es cierto que el crossover hay que usarlo con mucho cuidado. Como en todo, muchas veces importa más el “cómo se hace” que lo que se hace. Una misma idea puede tener resultados muy diferente dependiendo de cómo la presentemos.

      Hay pianistas por ejemplo que mezclan repertorio clásico y arreglos de música más jazzística, de tango o incluso de Radiohead he visto. Me parece que bien hecho puede ser muy interesante.

      Me alegro que en tu faceta compositiva te hayas desmarcado de lo que pudieran pensar otros y hayas optado por hacer una música sincera y coherente contigo mismo. Creo que ese es, finalmente, el mejor camino.

      Ójala muchos compositores entendieran que como tú dices, el futuro ya llegó y la brecha sigue abierta. Creo que necesitamos más voces como la tuya que se atrevan a manifestar una opinión que creo que es mayoritaria en el gremio musical.

      Con lo de la gestualidad estoy de acuerdo en que también hay “exageración” en algunos músicos. No obstante, creo que es mejor eso que muchas interpretaciones de “alumno de conservatorio” donde lo más importante es acertar las notas correctas.

      Un saludo!

  5. Luis Ángel de Benito

    Felicitaciones. Muy lúcido, muy cabal y comunicado con un tono honesto y valiente que no puede ofender a nadie. Creo que comparto todo lo que dices (bueno, te faltó nombrar a Tomás Marco entre los compositores con más garra…)

    • Gracias Luis Ángel,

      Un honor tenerte entre los comentarios en este blog.

      Felicitaciones a ti también por toda tu labor. 🙂

  6. Francisco García

    Además de lo expuesto, la industria de la música clásica está muerta. Ningún sello discográfico pone el más mínimo esfuerzo económico en sacar nuevos valores o productos. Las estrellas de la música clásica “los solistas”, ya no son promocionados y un universo sin estrellas no es universo. Entre otras cosas porque los agujeros negros que coexisten con las estrellas, han proliferado hasta no dejarlas brillar, estos son la gran mayoría de los “directores de orquesta” o políticos de la música clásica, que gastan todo su presupuesto en invitarse unos a otros, mientras mantienen su sueldo de titularidad como gestores de programación, ignorando a toda aquella figura de verdadera altura artística que pueda arrebatarles éxito, los aplausos y la notoriedad. No tienen más que leer la actualidad en artículos como el siguiente :http://www.hoy.es/v/20110906/regional/parece-culpable-deficit-extremeno-20110906.html

  7. Carlos Gallardo

    Totalmente de acuerdo… el ambiente donde está representada y es acogida la música clásica está putrefacto por aquellos quienes controlan su mercado con mafias y quienes la consumen dentro de sus reglas y espacios permitiendo esta existencia.
    La esencia de la música clásica ha sido prostituida no solo por los propios intereses de los muchos artistas que echan la vista a un lado cuando dicta normas el entramado mafioso y clasista de los que la negocian (agencias de conciertos, directores de teatro, concursos, discográficas, instituciones, etc.), sino también por aquellos pseudo-eruditos y seguidores de la farfolla y la farándula… La gente va a los conciertos como acto social… como acto de tenderos y políticos…
    Lean más a Liszt, y entenderán qué es la música clásica en la actualidad. “Con la venida del siglo XX, el Arte desaparecerá”

    • Carlos,

      ¿podrías indicar el libro / texto donde dice Liszt esto? ¡Me interesaría leerlo!

      Gracias, y un saludo!

    • María José

      Mi formación musical es eminentemente clásica y bandera como cualquier instrumentista de viento madera en España. Me encuentro en Inglaterra haciendo un Máster y sinceramente no sé qué he hecho con mi vida. Comparto muchas ideas de las aquí citadas, ambiente del carajo en el mal sentido de la palabra en elconservatorio, monos de feria (acertar notitas dentro del espacio tiempo) y enchufismo por doquier. Flautistas sabéis lo que digo.

      Gracias por este espacio

  8. Pivo

    Los conservatorios te dan una buena formación técnica que es útil ya en sí; vas a desarrollar habilidades que de otra forma no desarrollarías igual.

    Pero deben cambiar. Siendo una buena base la clásica, deben desarrollar más lenguajes, más estilos.

    El ritual es un tostón. Es un buen entrenamiento para la vida pero nada más. Aburre muchas veces.

    Quizás lo que mas valoro es el hecho de la música de ser alimento del espíritu. Y los alimentos son diferentes según el momento.

  9. Victor Oyarce M.

    Creo que no morirá nunca lo clasico , llamenle barroco, romanticismo, posto moderno. En mi caso he derivado a la musica clasica tras escuchar durante años musica rock y de todo tipo. Me doy por satisfecho al ver que mi busqueda en autores como Albinoni, Cimarosa, Vivaldi, Beethoven, Grieg………..en fin…………y tantos otros , me ha traido el recompreder la musica , reeducar de nuevo mis oidos , en el fondo , percibir a traves de lo clasico una nueva dimension de nosotros como seres humanos.. La musica , una forma de expresarnos sin la cual el ser humano no puede vivir……Tan simple como eso………..Un saludo

  10. Cantantes Callejeros Barcelona

    Ya hay músicos que con estudios superiores de música están intentando cambiar el mundo. Un ejemplo es Cristian Rodríguez, un chelista colombiano que toca en las calles de Medellín con auténtica pasión y entusiasmo.
    https://youtu.be/FKv0NLMtgNs

  11. Diego

    Seria super genial que ubiera un brans, Mozart etc hoy en dia y que se siga expandiendo nuevas canciones. Es dificil, es de competencies, miedo tienen los que no estudian, nerbios buenos cuando estudian, la musica la escucho una vez y Otra y lo disfruto mucho, los imstrumentos de cuerda son geniales.

  12. Diego

    A pasado mas de 200 años y aun no a muerto y seguira viviendo por “cultural” minimo

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