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La importancia del músico integral que compone, improvisa e interpreta

Composición, improvisación e interpretación. Estas tres facetas han ido de la mano a lo largo de la historia. A partir del siglo XX sin embargo, muchos músicos empiezan a especializarse y se deciden entre una de estas tres actividades. Así, se han dividido también los planes de estudio, centrándose en enseñar una sola cosa muy bien. Pero, ¿es posible que volvamos a juntar las tres formas de hacer música en la enseñanza de las nuevas generaciones? Así lo creen ya en algunos lugares…

componer musicaDerechos de Depositphotos

La pregunta de si es mejor la especialización no resulta fácil de responder. Es la tendencia que nos llega desde el siglo pasado. Personalmente pienso que no, pues dominar las tres facetas te hace un músico más completo. Tengo incluso dudas de que potenciar sólo uno de los campos y dejar de lado los demás no sea incluso contraproducente. Compositores como Mozart y Beethoven dominaban los tres a muy alto nivel. Era lo normal en la época por otra parte. En el libro de Luca Chiantore “Beethoven al piano” puedes encontrar muchos detalles sobre hasta qué punto los tres elementos formaron parte de la vida del compositor.

Estas tres actividades pertenecen en gran medida al día a día de músicos relacionados con el jazz y el flamenco. Sin embargo en música clásica hemos sido enseñados bajo la especialización. ¿Será duradera esta división? Heather Dawn Taves, profesor de piano en la Universidad Wilfrid Laurier de Waterloo, en Canadá, indica unos cambios muy interesantes que quizás sean un adelanto de lo que puede venir.

 

A continuación te presento 7 detalles llamativos en la especialidad de piano que recoge el texto:

 

  • Para la prueba de acceso una de las piezas debe ser o compuesta después de 1900, o una composición / improvisación tuya.
  • Preguntan a todos los estudiantes cuál es su visión de lo que estarán haciendo en 10-15 años.
  • “Proyecto creativo” con posibilidades de todo tipo: una composición tuya, una composición escrita en los últimos 5 años, proyectos multimedia, interdisciplinares, improvisación estructurada y muchos más.
  • “Do It Yourself project”: estudias una obra tú mismo sin ayuda de ningún profesor.
  • Examen de lectura a primera vista que tienes que repetir hasta que lo pases.
  • Debes ir a un mínimo 12 conciertos profesionales y escribir una crítica sobre ellos.
  • “Keyboard lab” para aprender sobre instrumentos originales.

 

En definitiva, un programa con el objetivo de desarrollar tu creatividad a través de proyectos distintos, así como estimular el lado “emprendedor” del músico, incluyendo la faceta improvisadora, compositiva e interpretativa como un “todo”.

 

Es cierto que en EEUU y Canadá tienen una cultura más emprendedora que en Europa. No obstante, las instituciones deberían ponerse las pilas y empezar a preparanos para el futuro. No para un pasado que cada vez tiene menos relación con lo que vemos día a día. El paisaje tradicional de un músico preparado para hacer una sola cosa muy bien está cambiando a mucha velocidad. El público demanda y responde a proyectos frescos e innovadores. A muchos puede pillar con el pie cambiado, pero nunca es tarde para hacer cosas diferentes.

 

 Innovar o anclarse en el pasado

 

Al fin y al cabo somos artistas o así queremos hacernos llamar. Estudiar un instrumento con el objetivo de formar parte de una orquesta durante toda tu vida profesional, donde no tienes que preocuparte de cuestiones creativas, es ya cosa del pasado. Tocar el repertorio tradicional con el formato tradicional en salas de concierto donde se espera eso de ti, también era ayer. Prepararse para hacer proyectos distintos y saber gestionarlos va a ser fundamental hoy. Combinar el componer, improvisar e interpretar puede volver a resultar decisivo. Así lo ha sido a lo largo de la historia.

 

Si quieres vivir profesionalmente de tu instrumento y de tu música, ¿cuáles de estas dos opciones ves con más futuro para que el público esté dispuesto a pagar por ello?

 

A) Concierto con un formato tradicional, con repertorio de compositores centroeuropeos que no difiera mucho de lo que podrías encontrar en cualquier vídeo de YouTube. Público objetivo de edad media-avanzada.

B) Concierto innovador en cualquier faceta, con otro formato más interactivo con el público y composiciones actuales o componente improvisativo, el cual no se parezca en nada a lo que puedas ver a través de internet. Público objetivo con gente más joven.

 

Y a ti, ¿qué te parece más sostenible? ¿Estás de acuerdo con el ejemplo de la universidad canadiense?

En cualquier caso, si no nos enseñan a innovar, tendremos que hacerlo nosotros.

Si esto te ha resultado interesante, te pido que lo compartas para que llegue poco a poco a los responsables de elaborar los planes de estudio y a nuestros profesores. Éste es uno de los objetivos que dan vida a Emusicarte. ¡Gracias!

Mario Nieto

Soy pianista y musicólogo, coautor y cofundador de Emusicarte. Escribo sobre temas de actualidad musical, intentando dar pie al debate y la reflexión.

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17 comments

  1. Fer

    Muy buen artículo. Lejos de ser músico y hablando como oyente, opino que la importancia de la innovación en la musica clásica es vital para su supervivencia. Está claro que el modo actual en que se reproducen obras clásicas no debe desaparecer, pero el hecho de que aparezca más heterogeneidad en este ámbito de la música probablemente hará que se vuelva a reencontrar con el público más joven y de un modo natural, ese público, busque más allá y encuentre que las piezas clásicas no eran tan “aburridas”. Es decir, debe facilitarse a la gente el acceso a la música por medio de la innovacion, tanto en la propia música como en la forma de transmitirla. (Conciertos, instrumentos etc…).

    • Hola Fer,

      Gracias por tu interesante comentario. Efectivamente como tú dices la innovación va a ser vital y en algunos sitios ya se puede ver cómo empieza a haber movimiento.

      Claro que el formato tradicional no desaparecerá y no es deseable que lo haga. La pregunta es si el 90% de los titulados de un Conservatorio va a poder dedicarse a ello y a esperar que una orquesta les ofrezca una plaza. Habrá que ver si la cantidad de orquestas que hay son sostenibles haciendo lo mismo que hasta ahora. La Filarmónica de Berlín y Viena desde luego lo son, la ONE y unas cuantas españolas puede que también, pero muchas otras vamos a ver…

      Como tú dices, el innovar y presentar la música de otra forma puede tender un puente y acercar la propia música clásica a un público que de otra forma la siente como algo ajeno y anacrónico. Soy optimista y creo que habrá cambios muy interesantes en los próximos años. Ya los está habiendo.

      Un saludo!

  2. PrisciLa

    Muy interessante. Mi formacion empesó clásica y terminó por generos de música (salsa y jazz) donde la improvisación tiene mayor importancia. Mi ví obligada a componer para promocionar a mis grupos. Por supuesto quiero dejar mi opinión 🙂 La impro tiene una debilidad que cuando hay mucha lo hace mas dificil que el grupo entero esté espressando la misma dinámica símultaneamente si no es un grupo que toca mucho juntos. Al mismo tiempo, la impro hace que cualquier concierto puede ser el mejor de su vida. La música clásica tradicional me enseñó el valor de buscar, bajo un formato bastante rígido, las milliones de posibilidades de interpretación que existen en la misma obra. Eso es una de las hermosuras del arte. En esta época de “singer-songwriter” a mi me es evidente que no todo el mundo es compositor. Es un talento único a que se le debiera dar mas valor.
    Creo que lo que el público quiere es sentir nuestro entusiámo cuando tocamos. Eso es lo que tenemos que cultivar y transmitirles siempre.

    • Hola Priscila,

      Es cierto que la improvisación en grupo, como todo, funciona mejor cuando hay un “feeling” común y conoces bien a todas las personas. No obstante los grandes improvisadores y músicos de jazz no tienen mucho problema en tocar juntos sin tener una trayectoria conjunta. Desde luego si esto se potenciara desde más temprano creo que sería mucho más fácil y más natural para todos.

      La música clásica tiene inherente esa búsqueda del “ideal” o de la “perfección” que hay detrás de una obra. No obstante, es también peligroso por ese mismo motivo: puede alejarte tener una visión más amplia de lo que estás haciendo, inmerso en esa búsqueda del detalle. Por otro lado ese ideal en realidad no existe y es muy subjetivo, algo que muchas veces no se tiene en cuenta en la enseñanza tradicional: se habla de “las versiones de referencia”, por ejemplo.

      El debate de la composición es infinito, pues es muy subjetivo. Pero estoy de acuerdo en que hay una diferencia cualitativa entre componer una canción de 3-4 minutos y una obra de gran formato. Pasa un poco como con la arquitectura: una cabaña la puede hacer cualquiera, un palacio ya es otra cuestión. La cabaña no obstante puede ser muy funcional servir mejor a determinado objetivo que el palacio…

      Un saludo y gracias por tu comentario!

    • Hola Lukas,

      Así y de tantas otras formas. Hoy día además con la tecnología hay muchas más posibilidades que solamente con el instrumento. En cualquier caso cada uno debe decidir qué quiere transmitir y comunicar. A continuación el cómo, y en esto hay infinitas posibilidades.

      Gracias por el vídeo, no lo conocía!

      Un saludo.

  3. David

    En la escuela “Taller de Músics” de Barcelona llevamos más de 35 años impartiendo la música de este modo… y desde hace 5 sacando graduados superiores en Jazz, música moderna, flamenco y otras disciplinas creativas… y no solamente eso, sino que además creamos plataformas para el lanzamiento profesional de los artistas que allí estudian.
    Les invito a que nos visiten.
    http://www.tallerdemusics.com

    • Hola David,

      Muchas gracias por el comentario, la verdad es que no conocía esta escuela. Me parece que el futuro viene con mucha mezcla y colaboración de músicos y distintas disciplinas. En ese sentido si los conservatorios tradicionales no se ponen las pilas, habrá mucho espacio para enseñanzas más “alternativas”, que desde mi punto de vista y como en vuestro caso, creo que apuntan mucho mejor al presente y al futuro.

      Un saludo!

  4. juan carlos

    Hola. Lo primero que habría que preguntarse es si queremos volver a juntar esas tres formas . Sobre eso escribiré más tarde. Con respecto a centrarse en una especialidad o optar por trabajar varias no debiera que sometido a evaluación. Son trabajos diferentes que aunque están interrelacionados entre sí , no son evaluables entre sí. Me explico, dices que mientras más conozcas todos los campos más enriquecedor será, parece lógico , pero depende de los objetivos que quieras conseguir ,ya que el camino multi función también tiene sus limitaciones. El hecho de abarcar esos tres campos que expones te impide conocerlos todos a un alto nivel ya que para ello se necesitaría demasiado tiempo. Quizás un genio los conozca todos en profundidad, pero no es la norma. Las ventajas de la especialización no se citan. En la especialización se trabajan la creatividad y los cimientos teóricos, que están reflejados en asignaturas como la armonía , el análisis y los criterios históricos que además de por los tratados , la mayor parte de las veces se ponen en la práctica interpretativa mediante la intuición ,la cual realiza un fuerte impulso creativo igualmente equiparable a los demás caminos. Luego que una actividad es más creativa que otra, no tiene sentido ya que, por ejemplo, los compositores también están sujetos a normas, al menos a priori, al igual que la técnica personalizada en el instrumento de cada cual. Es por ello que en ese sentido están interrelacionadas todas las disciplinas y que tú lo separas como si fueran compartimentos estanco. Otro punto positivo en el camino de la interpretación es que te permite desenvolverte con gran soltura con el instrumento lo que genera un gran grado de auto satisfacción, algo que suele ser un punto flaco cuando se trata de abarcar todo.
    Pienso que el problema de fondo , es el no poder resolver el problema de la austeridad laboral en Europa consecuencia de la corrupción generalizada. Fíjate, desde hace siglo y medio aproximadamente hasta la actualidad hemos ido a la especialización creciente, no es algo que tiene que ser malo de por sí, y en todos los aspectos, no sólo en la música. Ahora ese modelo ha quebrado debido a la austeridad laboral, que genera que incluso un especialista no tenga salida , esto provoca que se tengan que inventar otras alternativas para sobrevivir. Las consecuencias de estas salidas son el cambio de modelo de especialización en algunas áreas,y en la música se refleja en el creciente el intrusismo laboral . Esto queda reflejado en la necesidad de dominar a un nivel más básico las demás materia y perder práctica en la especialidad. Bueno o malo?, para nuestro contexto pienso que es malo.

    • Hola Juan Carlos,

      Respeto tu punto de vista, pero no lo comparto. En mi opinión todo empieza desde muy pronto: si a un niño le enseñas a componer y a improvisar a la vez que a tocar (como aprendieron por cierto muchos de estos compositores), será una parte de ellos al crecer y desarrollar sus capacidades musicales. De este modo, si más adelante se produce una especialización, se produce teniendo ya los otros campos en buena parte también desarrollados. No quiero decir que se hagan las 3 cosas al 100%, sino que haya un balance entre las tres, al menos en cuanto a formación.

      Además, no pienso que el quitar de una para sumar de las otras reste. Creo por el contrario que puede sumar y mucho. Si en vez de estar estudiando 6-8 horas como algunos instrumentistas hemos hecho en algunos momentos, se dedicara parte de ese tiempo a desarrollar otras habilidades, el resultado total podría ser mucho más interesante.

      Actualmente la especialización empieza en el momento en que el niño es enseñado solamente como “intérprete”. No obstante, estos días he recibido feedback de sitios donde esto ya ha cambiado desde hace tiempo.

      En cuanto a la comparación con otras áreas, está claro que el propio modelo ha favorecido y estimulado esa especialización. Pero esto también está cambiando también, pues hoy en día se requiere cada vez más personas que sepan de varios campos y sepan unirlos. La cooperación del conocimiento en ciencias naturales, sociales, economía, etc está cada vez más presente.

      Espero haber entendido bien lo que querías decir.

      Gracias por tu comentario!

      Un saludo.

  5. Maria Avila

    Me ha encantado leer este articulo, hay mucha positividad y animos para los musicos y compositores. Comparto la idea de que hay que innovar, aunque nos parezca a veces que ya esta todo inventado.
    Creo que tambien merecen mención los “musicos de la calle”, esos que no saben leer una partitura y que han aprendido por intuicion y pasion. Ellos tambien crean música, innovan e interpretan e incluso pueden llegar a ser inspiración para otros por su naturalidad al transmitir.

    • Hola María,

      Efectivamente, en la calle se pueden ver cosas muy interesantes. De hecho en algunas ciudades como Nueva York, hay verdaderos artistas que tocan en las calles. Y tampoco hay que irse tan lejos, mismamente en Barcelona hay músicos tocando en algunos sitios que da gusto quedarse a escucharlos un buen rato.

      Un saludo!

  6. Dani

    Lo mejor sería dominar las tres disciplinas, por supuesto….creo que fuera de España, porque aquí no se sí hay, se estudia en algunos países la improvisación “clásica”, porque no todo en improvisación es jazz….. Ahora, es posible dominar bien las tres disciplinas? Una cosa es Mozart o Beethoven,con C.I. de genios y otra cosa es ser una persona “normal”, que se dedica a estudiar sus muchas horas en una sola disciplina para lograr una un excelente resultado. La gente quiere ser lo más especializada posible en algo para poder vivir… En cuanto al jazz, la improvisación es la base, no hace falta ser un virtuoso de tu instrumento para improvisar (que eso es una ventaja), y sobre las composiciones, se tendría que hablar mucho……

    • Efectivamente, Dani, no todo es improvisación Jazz. De hecho sólo es una de muchas opciones. Evidentemente Mozart y Beethoven eran genios, pero lo que yo pienso es que el aprendizaje musical es holístico: las habilidades no son estancas, sino que cuanto más potencias una, más se enriquecen las otras también. Por eso los músicos que más talento tienen, dominan varios instrumentos, o varios estilos y formas de hacer música así como la composición, la improvisación y la interpretación.

      Por otro lado no estoy muy de acuerdo en que ser lo más especializado posible sea lo mejor. Sólo en el caso en el que seas buenísimo en eso y puedas vivir sólo de ello. Pero sino, es mucho más aconsejable ser versátil y poder tocar conciertos, componer tu música, hacer arreglos, improvisar, saber de pedagogía para tus clases, etc, para tener más opciones de trabajo.

      Es verdad que no hace falta ser un virtuoso en jazz, pero con tantos músicos de jazz que hay (y de cualquier otro estilo), la verdad es que tienes más posibilidades cuanto más virtuoso y a la vez buen músico seas.

      Sobre las composiciones, estamos ya en una fase de todo vale y todo se mezcla con todo. Pero al final el público suele mandar, y hoy más que nunca (salvo excepciones) cualquier músico necesita conectar con su público.

      Gracias por tu comentario!

      Un saludo.

  7. Daniel Roca

    En el IEM (Instituto de Educación Musical, http://www.iem2.com) llevamos 20 años en esta brega. En los inicios nos centrábamos en la improvisación sin limitación de estilo o género. Es importante que todo músico conozca al menos unos rudimentos de improvisación en jazz, flamenco, etc. pero también recuperar la improvisación en el entorno clásico. La premisa es que se puede improvisar en cualquier estilo con la premisa 1) de comprender las características musicales de ese estilo y 2) tener un dominio técnico suficiente para poner esto en marcha de manera práctica, sólo o en conjunto.
    Con el tiempo nos dimos cuenta de que lo que queríamos hacer iba más allá, realmente la improvisación es sólo un medio para alcanzar una comprensión musical integral, es decir, basamos la educación musical en cualquier displicina y nivel en la improvisación entendida como manejo consciente de un “idioma” musical concreto.
    Como digo, llevamos dos décadas en ello. De hecho nuestro curso de verano (IMPROVISA SALAMANCA) cumplirá 20 años el próximo julio. Realizamos cursos por todas partes, formamos profesores, tenemos una editorial, etc.
    Nuestros profesores se van diseminando por conservatorios y escuelas de toda España, y vamos cubriendo facetas y especialidades musicales. Estamos convencidos de que la educación musical debe ser desde el principio e ininterrumpidamente creativa e integradora, haciendo que los músicos sean intérpretes, compositores y improvisadores. Es posible luego especializarse en una faceta, pero desde una base integral. De hecho estamos convencidos de que las leyes que rigen los estudios musicales lo demandan en gran parte, aunque estas demandas no siempre se llevan a cabo.
    Creo que no siempre hay que mirar afuera (como también demuestra el ejemplo del Taller de Musics, o la Escuela de Música Creativa) para encontrar prácticas que conocer.
    En nuestros canales de YouTube o Vimeo pueden verse múltiples muestras de lo que proponemos y llevamos a cabo.

    • Hola Daniel,

      Estoy totalmente de acuerdo con tu comentario. Conozco la labor del IEM y pienso que a medida que esta filosofía o forma de entender el aprendizaje musical vaya ganando adeptos veremos cambios importantes. Me alegra ver el éxito que están teniendo vuestras actividades.

      Me quedo sobre todo con tu frase “la improvisación es sólo un medio para alcanzar una comprensión musical integral, es decir, basamos la educación musical en cualquier displicina y nivel en la improvisación entendida como manejo consciente de un “idioma” musical concreto”.

      Creo que ahí está la clave: entenderlo como algo integrador, con una base muy buena de composición, improvisación e interpretacion y luego ya en cada caso especializarse.

      Un saludo y enhorabuena por todo lo que hacéis.

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